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Armonía en rojo. Henry Matisse

diciembre 8, 2008
Armonia en rojo

Armonía en rojo

Armonía en rojo. Henry Matisse 1908. Museo Ermitage, San Petersburgo.

Henry Matisse pertenece a la corriente pictórica denominada “Fauvismo”.

El término francés Fauves, fieras, dado peyorativamente por el crítico Luis Vauxcelles a los pintores que expusieron en el Salón de Otoño de 1903  se convirtió en el apelativo de este grupo de pintores que llamaron la atención por la fuerza cromática de sus obras.

Influenciados por Van Gogh y Guauguin, estos “fieras” fueron más allá, independizando el color de las formas, con vibrantes contrastes cromáticos transmitiendo emociones.

Ya no se buscaba captar la realidad  desde un punto de vista realista. Como bien dijo Matisse: “El color debe ser pensado, soñado, imaginado.” Para captar la realidad tal y como se presenta ante nuestros ojos, ya se habían inventado las cámaras de fotos. El realismo dejó de tener sentido. Los artistas quieren plasmar una realidad subjetiva, percibida por el propio pintor.

Los fauvistas, al contrario que sus antecesores impresionistas y postimpresionistas, no juegan con las luces, las sombras desaparecen;  predomina el efecto bidimensional en sus obras. Matisse añade elementos decorativos.

Sus obras presentan una fuerza vital y optimismo. “Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón» declaraba Matisse.

Armonía en rojo fue encargada por un marchante ruso. En principio iba a ser realizada en azul, pero Matisse se decantó por el rojo, uno de sus colores preferidos por su gran carga expresiva.

Se ha suprimido la sensación de profundidad, primer y último plano comparten color y elementos decorativos comunes. Se anula ambién el claroscuro y el modelado.

La pintura se aplica de forma pura y los colores primarios: rojo, amarillo y azul son los predominantes. Los colores secundarios: violeta, naranja y verde aparecen en ciertos detalles.

Se combinan arabescos vegetales curvilíneos con líneas rectas. El dibujo aunque relegado a una categoría secundaria se realza a veces con trazos negros.

La pintura se expande, los objetos no aparecen enteros en el cuadro parece como si quisieran liberarse de la esclavitud de la rigidez del marco, convirtiendo la pintura en una explosión cromática de optimismo y vitalidad.

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El columpio. Pierre-Auguste Renoir

octubre 1, 2008
El columpio

El columpio

El columpio. Pierre-Auguste Renoir 1876. Impresionismo. Museo D’Orsay

Un exterior radiante de luz donde unos personajes conversan relajadamente con naturalidad.

Más que un tema de solemne inmutabilidad, lo que importa a los impresionistas es la sensación. Para ello la luz y el color juegan el papel principal.

Los volúmenes no se delimitan, las formas no se encierran, si no que fluyen bajo una luz que vibra, las pinturas impresionistas tienden hacia la expansión. Somos espectadores fugaces que de manera casual, vemos un recorte de la escena, los personajes no posan para nosotros. Uno se encuentra de espaldas, la niña casi se sale del cuadro. Las copas de los árboles quedan sólo sugeridas.

La composición vertical queda ausente de frialdad gracias a la pincelada a manchas y la armoniosa combinación de tonos.

Las sombras han dejado de ser negras o grisáceas, se opta por los tonos azulados y lilas.

Los colores fríos y calientes se contraponen. El blanco refleja todos los colores del cuadro. Nuestra pupila mezcla las manchas de color y nos sugiere la ensoñación espontánea, de un momento fugaz donde se hace un canto a la belleza natural y la alegría de vivir.