Archive for 29 junio 2011

San Marcos el día de la Ascensión. Canaletto.

junio 29, 2011
San Marcos el día de la Ascensión

San Marcos el día de la Ascensión

San Marcos el día de la Ascensión.
Canaletto. 1732
Royal Collection

El gran barco de oro de la República veneciana, el Bucentauro, llega a la laguna de San Marcos.
Es el día de la Ascensión.  La luz primaveral de mayo se refleja de forma clara en los solemnes edificios del fondo, como el Palacio Ducal, a la derecha, con sus esbeltas tracerías góticas o la basílica bizantina de San Marcos al fondo, el elevado Campanile y la biblioteca a la izquierda.
Majestuosos testimonios de una ciudad rica en historia.

En primer término, el mar. Ese mar temido y venerado, a los que los venecianos le debían tanto.
Ciudad independiente, que vivía del comercio y el turismo, la República de Venecia, siempre sabría mantener ese sabor romántico oriental – bizantino que tanto gustaría a sus visitantes.

Canaletto, genial maestro del género de la “vedute” (vistas) nos muestra la ciudad en su gran día de fiesta.
Como cada año, el día de la Ascensión, se celebraba los esponsales de la ciudad con el mar. El dux como acto simbólico, arrojaba un anillo a la laguna desde la proa del gran bucentauro  como símbolo del dominio marítimo de la ciudad.

 Era un día de fiesta y distintas góndolas acompañaban el acontecimiento.

 Canaletto se especializó en el paisaje, donde las ciudades son las grandes protagonistas.

Los extranjeros que llegaban a Venecia, adquirían como recuerdo sus obras. Para lograr la exactitud y precisión, el pintor se valía de una cámara oscura.

Canaletto, influirá notablemente en generaciones posteriores como Franceso Guardi o Belloto, si bien estos  perderán el minucioso detallismo  para adaptarse un poco más a la subjetividad y espontaneidad fruto de épocas posteriores.

A través de las obras de Canaletto, nos trasladamos con idealizada ensoñación, pero precisión topográfica a la Venecia festiva y orgullosa del S. XVIII.

Jackson Pollock. Número 1. 1950

junio 27, 2011
Núm.1 Pollock

Núm.1 Pollock

Jackson Pollock
Número 1, 1950
Museo de Arte Moderno de Nueva York

La pintura del americano Jackson Pollock se encuadra dentro de la corriente moderna del Expresionismo Abstracto.

Sus pinturas son de grandes dimensiones y su método de trabajar ha sido denominado “action painting”.

Pollock, posicionaba su tela sobre el suelo  y dentro de élla pintaba, dejaba fluir la pintura por sí misma, goteándola (“dripping”) de manera espontánea sobre el lienzo. Así, inmerso dentro del cuadro y rodeado por el mismo lo sentía como algo vivo con fuerza propia…

El “horror vacui” (el completo recubrimiento de la superficie) es característico en su obra.

Las líneas se cruzan, se tuercen, giran, vuelven… es su arte en estado puro, fluyendo del vacío. 

A través de la obra de Pollock podemos observar la “expresión” ,que no representación, del impulso inconsciente y la fuerza de la experiencia abrumadora del Siglo XX,  frente a la clásica tradición antropocentrista occidental.

Lamento sobre Cristo muerto. Giotto

junio 21, 2011
Lamentación sobre Cristo muerto

Lamentación sobre Cristo muerto

Lamento sobre Cristo muerto. Giotto.
Fresco de la Capilla de los Scrovegni de Padua.  1305- 1306.

Esta obra muestra con expresividad y dramatismo el momento posterior al Descendimiento de Cristo de la Cruz.

María, su Madre, de perfil, lo tiene en sus brazos y le mira con angustioso dolor.
San Juan en frente de Cristo, manifiesta su pena de manera veraz extendiendo los brazos.
María Magdalena como ensimismada sostiene los pies.
Nicodemo, quien pidió a Pilato poder descender el Cuerpo de Cristo de la Cruz y José de Arimatea, a la derecha, quien portó con Cristo la Cruz camino al Calvario, también contemplan la escena con actitud meditativa.

Giotto es de los primeros “artistas”, tal y como entendemos hoy esta palabra, de los que tenemos constancia.
Consiguió fama y es nombrado por el tratadista del S. XVI Vasari, en su libro de las Vidas de los grandes artistas del Renacimiento.

El arte de Giotto fue pionero en la búsqueda de la naturalidad, el realismo.

La escena parece que ocurre delante de nosotros, frente a los fondos dorados medievales, aparece el paisaje, éste se empieza a tratar perspectiva.

La composición, distribución y la proporción de las figuras es creíble; pero sobre todo, lo más innovador quizás sea la manifestación directa del sentimiento.
Las figuras con gran expresividad y cada una a su manera muestran el dolor.
Se busca transmitir el hecho con un lenguaje claro, dejando la frialdad de los solemnes iconos medievales.

Giotto es el nexo entre la pintura hierática y solemne bizantina y el comienzo del Renacimiento.

 El plano superior, el Cielo, azul profundo, el color de la espiritualidad, asociado a la meditación y la vida interior.

Recortando en diagonal un muro donde se sitúan las figuras, de forma natural y a la vez estudiada, dos de espaldas creando profundidad, varias de perfil, algunas de pie, otras sentadas.

En el extremo superior del muro un árbol sin hojas, símbolo de la Muerte, tal vez alusión al pecado, en el extremo opuesto Cristo muerto, quien resucitando dará la Vida.

En el cielo, ángeles “humanizados” lloran con rostros descompuestos y movimientos agitados,  todo ello contribuye a expresar con dramatismo la intensidad del momento.